Top 40: los mejores discos de 2017

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mejores discos de 2017
Bite A Beat te presenta una lista con los 40 mejores discos de 2017.

Bite A Beat te presenta los mejores discos de 2017, una selección de 40 trabajos que nos emocionaron, que le dimos play una y otra vez y que se destacaron entre la multitud a fuerza de composiciones honestas y producciones impecables. Repasá el ranking reseña a reseña, mientras te dejás sorprender por lo nuevo de artistas entrañables y de otros tantos emergentes que merecen estar en nuestra lista de favoritos.


Estos son los mejores discos de 2017:

40. Ctrl, SZA

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Contra todos los pronósticos, SZA es la mujer más nominada para los Premios Grammy 2018 gracias a su debut Ctrl. Kendrick Lamar, Travis Scott y Pharrell se rindieron a sus pies y dan su aporte a este intenso disco R&B en el que la cantante desnuda cierta vulnerabilidad pero también expone su costado más combativo. Solana Rowe tiene una voz extraordinaria y viene a decirnos que el lugar de la mujer en el género no es sólo mostrar sensualidad, sino que puede ser confesional desde un espacio de madurez y confianza, tal cual ocurrió con Solange el año pasado. El neo-soul -y sus variantes- está pasando por su mejor momento y aquí tenemos a una de sus figuras más prometedoras. Leandro Chico.


39. Prisoner, Ryan Adams

Luego de adentrarse en el universo pop de Taylor Swift con su reversión de 1989, el estadounidense ahora irrumpe en su propia cabeza y corazón. Prisoner fue concebido en un contexto de crisis personal que alimentó su costado artístico: en el transcurso de su separación de Mandy Moore compuso unas 80 canciones, de las que se desprenden los 12 tracks del LP. Con influencias de artistas icónicos de los ’70 y ’80 como AC/DC y Bruce Springsteen, el disco ofrece un sonido clásico y poco innovador, pero que sí parece despertar pasiones. Podemos ver la intención de Adams de superarse a sí mismo, desafiando su Americana con apuestas en los arreglos que pueden aportar una sencillez inquietante y, de a ratos, desgarradora. Valeria Cuéllar Figueroa

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38. Rainbow, Kesha

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Nunca le había prestado atención a la música de esta estrella del pop estadounidense. Más bien, la había menospreciado. Hasta ahora. Su vuelta resonó con fuerza luego de una disputa legal contra su exproductor Dr. Luke, a quien acusó de abuso físico, sexual y emocional. Claro, Rainbow se trata de una mujer empoderada que se libra de sus demonios y cuenta la lucha incansable que libró para superar obstáculos personales y profesionales. Eagles of Death Metal y Dolly Parton participan de un sorpresivo y poderoso trabajo, que no teme en salirse del pop mainstream. La revelación no es el drama vivido sino que Kesha haya hecho un álbum que la descubre como una artista significativa. Leandro Chico.


37. Abysmal Thoughts, The Drums

El indie pop de The Drums volvió este año con su cuarto álbum de estudio. Se trata del primero como proyecto solista a cargo de Jonny Pierce y el primero con el sello ANTI-. El sucesor de Encyclopedia (2014) es el equilibrio perfecto entre el surf rock frenético que todos conocemos del neoyorkino y pequeños momentos de intimidad, introspección y languidez, donde se destaca la gran capacidad vocal del músico. El resultado es un disco compacto y sólido, probablemente más que los trabajos previos realizados en conjunto, que muestra el lado más sombrío de Pierce, en el que sus demonios se convierten en sus aliados para apaciguar los fracasos y volver a la luz. Valeria Cuéllar Figueroa

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36. V, The Horrors

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A diez años de su debut con Strange House, los ingleses The Horrors editaron su quinto material y podemos decir que llegaron a su máxima expresión. El electropop oscuro y de guitarras en pena nos empuja a un túnel de 10 pistas que Faris Badwan y la banda armaron con espectro cinematográfico. No es casual que recientemente hayan girado junto a Depeche Mode: son como su expresión indie del corriente milenio y con aires de similar grandeza. En este contexto favorable, cobra sentido el aporte del consagrado productor discográfico Paul Epworth, uno de los factores que genera la empatía instantánea al darle la primera escucha. Organicidad, poderío y belleza. La década ganada. Leandro Chico.


35. Half-Light, Rostam

El debut del ex Vampire Weekend ofrece 15 canciones, todas escritas, producidas y ejecutadas por él mismo en el estudio que posee en su casa de Los Ángeles. Se trata de una propuesta positiva y sumamente bien ejecutada, con arreglos y voces dobles, teclados y un poco de sintetizadores. El multiinstrumentista ofrece una variedad de ritmos y arreglos entre afrobeat y pop y sabe explorar sus múltiples habilidades artísticas para por fin trabajar en un álbum que define y marca su camino en la música: es claro que es el primer paso en lo que se perfila como una carrera prometedora en el circuito indie pop. Valeria Cuéllar Figueroa

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34. ken, Destroyer

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ken fue producido por Josh Wells, que ocupa el rol de baterista de Destroyer desde 2012. Sin embargo, a diferencia de su predecesor Poison Season, el nuevo LP no fue grabado como un disco de “banda”, aunque todos sus integrantes hacen su aparición. Dan Bejar se apartó un poco del ambiente más jazzero que inundó a su brillante producción de 2015 para ponerse más electropop en su más reciente entrega. El track “Rome” es la bisagra con la segunda parte del álbum, cuando las cosas se ponen más extrañas: “Salís y no está bueno. Seguís hecho de madera, eso es cruel e inusual. Es una locura estar fuera”. Trece temas para dejarse llevar por uno de los más talentosos artistas canadienses en la actualidad. Leandro Chico.


33. How Did We Get So Dark?, Royal Blood

Los británicos regresaron con su segundo LP y sucesor del genial debut de 2014. El dúo indie rock, que ha sabido construir un sonido sólido que mecha garage rock, hard rock y hasta algo de stoner, creó una obra intensa con una fórmula bastante parecida a su primer LP: una bestia oscura e inquietante que late con cada golpe del gran Thatcher. Kerr, por su parte, se adueña una vez más del bajo y lo reinventa en cientos de formas posibles, además de sorprender con algunos falsetes. Estos dos sub-30 ganadores del Brit Award y nominados al Mercury Prize no sólo ofrecen la actitud y el ruido, sino también riffs y ritmos afiladísimos que revitalizan ese rock que se siente en las entrañas. Valeria Cuéllar Figueroa

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32. Rocket, (Sandy) Alex G

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Con tan sólo 24 años, Alexander Giannascoli continúa ganando adeptos entre el público indie y reverencias entre los críticos. Comparado frecuentemente con Elliott Smith y reciente colaborador del misterioso Frank Ocean, su rock experimental de bajos decibeles tiene en Rocket su material más accesible y acabado, donde se permite exponer todas sus capacidades como multiinstrumentista y también como compositor. Los aires folk y jazz vuelven al disco más enternecedor y envolvente. Alex G es uno de esos jóvenes vanguardistas del R&B cuya libido de estrella la depositan solamente en sus producciones. Es decir, cuando el alto perfil reside en la producción de calidad. Leandro Chico.


31. Slowdive, Slowdive

El cuarto álbum de estudio tardó nada menos que 22 años y los ingleses ofrecen el balance justo entre sonidos familiares y frescos, en un shoegaze versión siglo XXI, en los que es imposible no perderse. En una atmósfera celestial, los gélidos y sencillos arpegios típicos del dreampop también dicen presente. Es un regreso majestuoso que no solo llena los huecos, sino que apunta decididamente hacia horizontes futuros en ocho tracks que ofrecen nuevos elementos que se incorporan a la sólida identidad musical de la banda, proceso que marca un esfuerzo en el trayecto de composición del álbum. La nostalgia está, pero el disco se siente como un paso hacia adelante, innovador y fresco. Valeria Cuéllar Figueroa

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30. The Assassination of Julius Caesar, Ulver

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En la era de la propagación de series de televisión con bandas de sonido retro-synthpop, siempre es reconfortante escuchar propuestas discográficas que hagan honor a ese género y lo acerquen revitalizado a las nuevas generaciones. Es el caso de The Assassination of Julius Caesar, perteneciente al trío experimental noruego Ulver, fundado como colectivo musical en 1993. En su último esfuerzo, nos tiran por la cabeza un pop dramático, con la carga justa de sintetizadores, beats furiosos y teclados sombríos. El apocalipsis puede sonar encantador y traernos a la memoria los años felices de Depeche, O.M.D. o Tears For Fears de la mano de una banda que se metamorfosea constantemente. Leandro Chico.


29. A Deeper Understanding, The War On Drugs

Después de un tercer disco demoledor, el cuarto trabajo de Adam Granduciel y compañía vuelve a hacerle un guiño al rock ochentoso de Springsteen, con paisajes sonoros distintivos y una fantástica colección de canciones ricas, atractivas y contundentes. La riqueza de texturas y detalles evocan el universo de Lost In The Dream que funde realidad y fantasía. De todas formas, Granduciel quiere superarse en el trabajo narrativo y en la producción, elegante y cuidada, que hace que todo suene pulcro, incluso cuando llegan las guitarras más aguerridas. A diferencia de otras bandas indie rock norteamericanas, la gran transgresión sonora no es la experimentación, sino la capacidad de emocionar de manera cotidiana y genuina. Valeria Cuéllar Figueroa

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28. A Kind Revolution, Paul Weller

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Sea con The Jam, con The Style Council o como solista, la destacada contribución que ha hecho Paul Weller a la música desde hace más de 40 años es indiscutida. A Kind Revolution se erige como un disco atemporal, que condensa lo mejor de lo ofrecido por este artista británico, con esa seguridad y soltura que solo brinda su extensa trayectoria. A través de 10 tracks, el cantautor inglés pasa por distintos climas sonoros, más funky o más jazzy, pero siempre rock. ¿Los invitados? El Culture Club Boy George, PP Arnold, Madeleine Bell, el guitarrista de The Strypes Josh McClorey y Robert Wyatt de Soft Machine. Si buscabas un clásico que embriague, éste es el indicado. Leandro Chico.


27. No Shapes, Perfume Genius

No Shapes es inquietante, pesado y profundo y, una vez más, el oriundo de Seattle Mike Hadreas canaliza sus tormentos y fantasmas personales con un indie pop épico y un repertorio musical ampliado y singularmente bello. Los temas despliegan arreglos orquestales cinematográficos, casi surrealistas, creando una suerte de obra maestra de evocación emocional espeluznante. El artista conecta con acierto todas las sensibilidades que había presentado en sus trabajos previos y, con una voz andrógina y letras al estilo “Don’t hold back, I want to break free, God is singing through your body, and I’m carried by the sound”, nos convence que el amor puede ser doloroso y también liberador. Valeria Cuéllar Figueroa

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26. Everything Now, Arcade Fire

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No es extraño que Everything Now haya sido recibido con igual intensidad de entusiasmo cuanto de enfado. Hace tiempo que los Arcade Fire decidieron conquistar al mundo sin rendirle cuenta a nadie de los caminos que deciden tomar. Su público, en consecuencia, es cada vez mayor. Si el parámetro de medición va a ser su debut, Funeral, vas a despotricar. Sin embargo, si no añoras las “supuestas esencias” y estás abierto/a  a escucharlos salir de la solemnidad y divertirse con el pop más ambicioso de su carrera, subí el volumen. Que sea su álbum más comercial hasta la fecha, no desmerece su frenetismo disco para quienes gusten de dar vueltas sin parar bajo la bola de espejos. Leandro Chico.


25. Losing, Bully

La furia de Alicia Bognanno emerge de la forma más encantadora posible en el segundo disco de estudio de la banda de Nashville. Músicos sólidos y una compositora pícara e irónica que cala profundo en los sentimientos encontrados del post desamor, en un esfuerzo por exorcizar estos impulsos, este trabajo perfecciona ese gran punk rock intenso e iracundo con influencias noventosas, con melodías elaboradas y con la dosis justa de potencia y distorsión en los instrumentos. Tratando de mantenerse de pie en medio del caos y la desolación, Bognanno parece pelear una batalla perdida; sin embargo, amplía sus horizontes para mostrar ese sentimiento de impotencia y vulnerabilidad que, a la vez, es eficaz y catártico. Valeria Cuéllar Figueroa

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24. Process, Sampha

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Antes de alzarse con el Mercury Prize 2017 por este, su LP debut, el británico ya había colaborado con Jessie Ware, Drake, Katy B, Kanye West y Solange, convirtiéndose en un solicitado productor del neo soul/R&B. Process es la manera que el artista encontró para abrir su corazón luego del fallecimiento de su mamá, quien luchó por años contra un cáncer. “Cuanto más tiempo pasa, más veo la extensión de su amor en mí”, escribió Sampha en su Twitter. Se destaca “(No One Knows Me) Like the Piano”, que habla del inspirador hogar donde creció. Una catarsis con bases de electrónica y soul que solo la familia y el amor pueden engalanar. Leandro Chico.


23. Pure Comedy, Father John Misty

El tercer LP de estudio de Josh Tillman es tan brillante como su predecesor de 2015, aunque de forma más ambiciosa y menos inmediata. El cantautor y –por qué no- showman regresa con sus impecables rock, folk y blues de siempre pero más irritado, irónico y enfadado que nunca: ahora el recorrido es a través de caminos perversos e intrincados, con paisajes caóticos y hasta apocalípticos. Hay baladas de piano o guitarra, algunas exageradamente largas, con frases altisonantes e incómodas. El mundo y la humanidad están en llamas, como una comedia cruel en carne viva, te cuenta el músico, pero te lo dice de la forma más hermosa posible. Valeria Cuéllar Figueroa

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22. Life Will See You Now, Jens Lekman

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Suecia siempre nos da satisfacciones y Jens Lekman es un gran ejemplo. Mientras que a lo largo de 2015 publicó semanalmente una canción de manera gratuita en su sitio web, este año con Life Will See You Now nos trajo la alegría que necesitábamos. Este álbum “blanco” nos llena de historias que enternecen, al igual que la voz que comanda y las melodías que se entrelazan. Sea con ritmos caribeños, disco o funky, el material dispara una escucha tan placentera y ligera que nos deja con las ganas de mucho más al llegar al track número 10. Vaya regalo poder escuchar a Tracey Thorn de Everything But The Girl en los primeros pasajes de este triunfo del indie pop. Leandro Chico.


21. Okovi, Zola Jesus

Ese híbrido perfecto entre oscuridad y renacimiento, entre pérdida y reconciliación, es Nika Roza Danilova (aka Zola Jesus) en su quinto LP. Es el trayecto de su viaje emocional, replicado en los 11 tracks del disco, en el que la artista experimentó situaciones de dolor y depresión extremas, que la hicieron retornar a su Wisconsin natal para la creación de esta nueva producción. Desde la angustia, canta sobre ese período en el que su alrededor se derrumbaba a pedazos. Sin embargo, con sonidos industriales y pop, cuerdas agresivas, potentes percusiones y repentino electro, hay un constante deseo de imaginar la vida, de liberarse y renacer en la misma pura de las utopías. Valeria Cuéllar Figueroa

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20. Yesterday’s Gone, Loyle Carner

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Es difícil encontrarse con un LP debut tan bien pergeñado como Yesterday’s Gone, más si hablamos del circuito hip-hop. Pero existe una particular chispa creativa en los poderosos trabajos que los artistas del género entregan últimamente desde el Reino Unido. Loyle Carner produce muchos cruces interesantes desde lo sonoro, con el rock, el soul y el jazz como aliados, siempre desde un relato confesional, con una apertura emocional gracias a la que este joven de 23 años sorprendió a la crítica al punto de estar nominado al Mercury Prize. Celebro que se trate de un trabajo downtempo, ya que permite un mejor disfrute de la maravillosa instrumentación y las letras dichas con la sencillez del alma. Leandro Chico.


Cigarettes After Sex, Cigarettes After Sex

Dream pop en estado puro, el proyecto musical que lidera Greg Gonzalez se autodefine como “ambient pop collective” y que podemos inmediatamente asociar al bello sonido de bandas como Mazzy Star o Beach House. Su LP debut no para de crear atmósferas hermosas y sugerentes tanto melódica como narrativamente. Es imposible no sentirse atraído por esos momentos increíblemente íntimos que relata la voz andrógina y susurrante de Gonzalez durante los 10 tracks. Melodías, voz, letras, todo el disco ofrece esa genuina conexión emocional, cálida y casi infecciosa, que se hace carne en un paisaje sonoro que puede ser tan romántico y apasionado como sombrío y nebuloso. Valeria Cuéllar Figueroa

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18. A Fever Dream, Everything Everything

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A lo largo de sus cuatro discos de estudio, este inquieto grupo de Manchester ha mantenido la innovación, la meticulosidad y la ebullición sin salirse de su esencia; sigue trabajando en su estilo, lo pule y le encuentra una vuelta de tuerca para que no dejemos de escucharlo. Su más reciente producción consolida el art pop que viene desarrollando, con tracks bailables y baladas punzantes que van intercalándose de manera orgánica y necesaria. El cuarteto es melodramático y, al mismo tiempo, sonoramente optimista. “A Fever Dream” explica muy bien la fantasía que nos engancha a su música: “El miedo y la furia me hacen sentir bien, así que no sufras una crisis, es sólo un sueño”. Leandro Chico.


17. Villains, Queens of The Stone Age

Coproducida por Mark Ronson, la séptima placa de estudio de los QOTSA ofrece una estética más glamorosa, detallista y, la vez, más digerible. Nos encontramos con un material ambiguamente destacado: es más bailable que los trabajos previos, pero mantiene esos cortes rock que podrían encajar tranquilamente en el gran y más oscuro Like Clockwork (2013). Es un trabajo desenfadado y divertido, en el que Homme disfruta rozar el mainstream con los dedos -parece querer borrar la oscuridad a base de detalles electrónicos y un optimismo que estaba desaparecido- y jugar con los límites de los géneros: hay loops endulzantes, hay melodías más rudas y ásperas, todo encaja perfectamente. Valeria Cuéllar Figueroa

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16. Drunk, Thundercat

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Esta ya es la década dorada del R&B y el soul, léase para los artistas que se instalaron en el mainstream como aquellos que se mantienen en las filas indie. Drunk fue una de las primeras joyas que nos entregó 2017,  tercer álbum de estudio del bajista y multiinstrumentista Stephen Bruner. En el disco aparece su gran aliado de los últimos años, Kendrick Lamar, al igual que Pharrell, Wiz Khalifa y, desde la escuela ochentosa, Michael McDonald y Kenny Loggins en el track “Show You the Way”. Son 23 tracks y menos de una hora de un viaje nocturno en el que este artista único nos cuenta -con letras contundentes- cómo sobrevivir en las penumbras y salir ileso, pero con éxtasis. Leandro Chico.


15. Sleep Well Beast, The National

El séptimo disco de una de las bandas más maduras e indiscutibles del indie rock actual juega con la impredecibilidad y la repetición de la fórmula, pero siempre con un resultado positivo y exitoso. Berninger y compañía intentan escapar de lo previsible y de su conocido rock épico emocional con una propuesta orgánica que ahora quiere entrelazarse con sonidos sintetizados. El equilibrio entre sus nuevas perspectivas de expansión creativa y el atractivo tono compositivo de canciones eficaces y memorables que los caracteriza funciona de maravillas, con grandes y majestuosos momentos como “The Day I Die”, “Guilty Party” o “I’ll Still Destroy You”. Valeria Cuéllar Figueroa

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14. I See You, The xx

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El tercer LP del fantástico trío indie pop -dicho con toda seguridad luego de verlos en el Lollapalooza Argentina 2017- nos envuelve, con suavidad y ternura, en una cápsula que nos transporta a otra dimensión. Ellos tienen lo que se llama mística y elegancia, y eso es decir mucho en una industria pop donde los esquemas exitosos se repiten sucesivamente. Ponen en valor el género, además de ofrecernos una luz esperanzadora incluso en esas canciones donde la tristeza parece no tener escapatoria. Las voces de Oliver Sim y Romy Madley Croft nos permiten entrar en el trance: ahora que la banda nos dice I See You, nosotros los sentimos más cerca que nunca. Leandro Chico.


13. Antisocialites, Alvvays

Allá por 2014 comenzó la devoción por estos canadienses, cuyo segundo disco de estudio fue todo y más de lo que esperábamos luego de un LP debut tan gratificante y adictivo. En el nuevo trabajo, continúan esas sólidas melodías suaves y frescas, pero también crudas y directas: Alvvays decidió seguir con el mismo sonido característico y que fue el gran atractivo de su éxito. Antisocialites avanza en la construcción de un lenguaje indie pop propio con constantes ramificaciones al lo-fi y al dreampop. Las letras, por su parte, brindan un mensaje más bien enfocado en el olvido y en el avanzar tras una separación. Armonizar para quemar etapas y avanzar hacia adelante probablemente sea el sentimiento y leit motiv de este gran álbum. Valeria Cuéllar Figueroa

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12. Hot Thoughts, Spoon

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Desde el arranque con “Hot Thoughts”, Spoon deja en claro que los 41 minutos van a ser bien entretenidos. El noveno álbum de los texanos, que llevan más de 20 años en la ruta, transita una línea de electro-funk-rock con tanta organicidad que sorprende, incluso cuando aparecen cambios rotundos de instrumentación y ritmo. De hecho, ahí reside su significancia. Probablemente, Britt Daniel y los suyos no tengan mucho que probar a estas alturas, pero este tipo de bandas y, precisamente, este tipo de álbumes, te hace pensar cuán grandes podrían ser si transcendieran el circuito indie. Aunque, a decir verdad, la grandeza no reside en la masividad, por más que la merezcan. Leandro Chico.


11. Painted Ruins, Grizzly Bear

Con sonidos melancólicos, pero también explosivos y pesados, a través de texturas sutiles y principalmente impredecibles, la orquestación de Painted Ruins se construye sólida sobre un perfecto pulso rítmico a cargo de la guitarra de Rossen, la batería de Bear y el bajo de Taylor. Los arreglos son más crudos y una suerte de alternativa a las melodías pastorales folk que ya conocemos de la banda, mientras que percibimos un sentimiento abierto a las ambigüedades vocales y líricas. Droste parece contar historias en slow-motion. La magia y el talento de estos cuatro fantásticos siguen intactos en un universo propio, con melodías armoniosas e historias cautivantes que reflejan de forma encantadora el caos y la inestabilidad de los tiempos modernos. Valeria Cuéllar Figueroa

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10. Masseduction, St. Vincent

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Annie Clark ya había participado de este ranking con el consagratorio St. Vincent (2014) y no podíamos esperar menos de su sucesor. En MASSEDUCTION explora con más efervescencia el pop industrial con aires futuristas, que también se puede ver de manifiesto desde lo estético en sus videos y en sus presentaciones en vivo, como ocurre con marchoso single “Los Ageless”. Esta grandiosa artista tiene muy claro su objetivo: cada disco tiene que dar un paso firme hacia adelante. Su autosuficiencia artística y la colaboración de Jack Antonoff concluyen en un álbum fascinante, que nos pasea tanto por la ternura como por la locura de una visionaria que desconoce la zona de confort. Leandro Chico.


9. Turn Out The Lights, Julien Baker

El sucesor de Sprained Ankle (2015) pone a la cantautora de Tennessee en primera plana y la muestra más madura y confiada a pesar de sus escasos 22 años. En sintonía con otras compositoras de la escena, como Waxahatchee, Julie Byrne, Angel Olsen o la ya consagrada Sharon Van Etten, Baker tiene ese poder de transmitir fuerza y vulnerabilidad al mismo tiempo. Los estribillos son viscerales, pero el sentimiento de intimidad está presente. Los tracks más explosivos e imprevisibles revelan su evolución artística y la hacen destacarse dentro de la poblada oferta de músicos de su tipo. Su voz, guitarra y escasos arreglos bastarían para enamorar al mundo. Pero la brutal confesionalidad de sus letras, tan tristes como hermosas, es el gran premio. Valeria Cuéllar Figueroa

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8. Damn., Kendrick Lamar

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El Rey Kendrick no quiere que nadie le quite la corona del hip-hop y su empeño para que eso no ocurra continúa latente. Sus contundentes entregas musicales lo vuelven uno de los artistas indispensables de la corriente década. Lamar se baja de la solemnidad poética del arrollador To Pimp a Butterfly y cae con fuerza al terreno con DAMN. para mover cimientos, mezclando ritmos furiosos con su siempre esclarecedor relato del mundo que lo rodea. Con ciertas contribuciones de U2 y Rihanna, el rapero de Compton nos envuelve en sonidos de la vieja escuela que, sin embargo, los reinventa desde la vanguardia. Es que hace tiempo que él es la vanguardia del rubro, incluso en sus propuestas audiovisuales. Leandro Chico.


7. Out In the Storm, Waxahatchee

El cuarto disco de Katie Crutchfield y su hermoso proyecto Waxahatchee continúa en la línea de la introspección de sus trabajos previos y nos ofrece una de las mejores obras del año, intensa, emotiva, transicional y principalmente honesta. El disco habla de la más reciente ruptura amorosa de la compositora y es tan franco y catártico como podamos imaginar. Musicalmente, el disco es hasta el momento uno de los más sólidos de la artista de Alabama: el indie rock recorre todas las pistas, con grandes momentos de alt-rock, mientras que la voz ofrece de a ratos algunos aires folk. Varios tracks nos remontan a las texturas del rock alternativo de los 90 y probablemente con una fuerte influencia de bandas como The Breeders. Valeria Cuéllar Figueroa

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6. American Dream, LCD Soundsystem

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Uno de los discos más esperados de 2017 fue, sin dudas, american dream. No sólo por los siete años que transcurrieron desde su antecesor sino porque era un proyecto musical que se suponía terminado. Todo cambió en la Navidad de 2015, con un single, y posterior anuncio de Coachella 2016. La nueva obra comandada por James Murphy no escatima en el compromiso compositivo ni en el circuito multi-género del que se nutre para calmar con creces la ansiedad de una audiencia que los ubicó históricamente como un acto de culto. A pesar de que la sinuosidad synth-pop estrellada en inquitas guitarras y percusiones es familiar para muchos, este trabajo es un placer desde la primera escucha. Leandro Chico.


5. Visions of a Life, Wolf Alice

El segundo álbum de estudio de los londinenses es una paleta de sonidos rica y potente que nos lleva por todos los estados de ánimo de la mano de la cálida y, cuando quiere, cruda voz de Ellie Rowsell. La banda pudo superar un disco debut con una repercusión notable: dan un paso más allá y esa diversidad sonora que mencionamos se vuelve la piedra angular. Y en esa mezcolanza, a priori imposible, emerge la personalidad del grupo y la voz de Ellie para darle un hilván a todo, consolidando una propuesta que cristaliza del todo en las canciones menos inmediatas pero más elaboradas e interesantes del conjunto, esas que cada vez que escuchás te sorprenden con nuevos puntos de vista y detalles. Valeria Cuéllar Figueroa

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4. 50 Song Memoir, The Magnetic Fields

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Son 2 horas y media que se pasan volando. 50 tracks para cada uno de los años cumplidos por el cantautor Stephin Merritt, que va de 1966 a 2015. Al llegar a los 50 de edad, inició el proceso de grabación de este material absolutamente atrapante y ambicioso. Bajo la bandera del indie pop, las memorias se van sucediendo rápidamente, como diapositivas, encontrando fuerza tanto en la insignificancia como en la opulencia. El viaje, divertido por demás, retrata la vida de un artista que explora con facilidad su singularidad y que hace uso de una inacabada paleta de sonidos. Una alternativa interesante para conocer más a un anti-héroe de la música, aunque siga siendo un encantador misterio. Leandro Chico.


3. Lotta Sea Lice, Courtney Barnett & Kurt Vile

Lejos, la mejor alianza del año, este LP es una conversación entre amigos. El resultado de la gran conexión dio un puñado de reinterpretaciones entre Kurt y Courtney, una simbiosis musical que ofrece americana, country y ese folk rock que tanto caracteriza a ambos artistas. Reinterpretan temas del otro, y también de artistas externos, pero siempre se percibe la admiración que se tienen ambos compositores, al haber creado una atmósfera sensible que comprueba la compatibilidad de sus personalidades. Las letras abordan temas como la composición, la soledad y el bloqueo de los escritores y otras relaciones imposibles, siempre con esa narrativa que tienen ambos tan llena de anécdotas y referencias. Valeria Cuéllar Figueroa

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2. Melodrama, Lorde

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Con tan solo 21 años cumplidos el mes pasado, la neozelandesa Lorde nos engatusa otra vez, ahora con su segundo disco de estudio. Si Pure Heroine (2013) reveló al mundo un talento adolescente que traspasó fronteras al punto de colarse inesperadamente en el Nº1 del Hot 100 de Billboard con “Royals”, Melodrama lo confirma y realza. Es el mejor álbum pop de 2017, por lejos. Con ritmos tan vertiginosos como calmos, la joven artista hace catarsis sin remordimientos y nos pone a bailar a pesar de que la pena amorosa haya dolido y mucho. Una impecable producción de Jack Antonoff sirvió de canal para que Ella Yelich-O’Connor se desgarrara con una elegancia sorprendente. Leandro Chico.  


1. Crack-Up, Fleet Foxes

Unos de los máximos exponentes del indie folk, los Fleet Foxes editaron este año su esperadísimo tercer disco de estudio. El nuevo material, que llega seis años después del aclamado Helplessness Blues (2011), es una clara muestra de que, a pesar de ya contar con uno de los mejores álbumes de la década, aún se puede crecer artísticamente, ser sofisticado, desafiante, atrevido, experimental y, por qué no, un poco más oscuro. Además de sus célebres armonías casi campestres, ahora tenemos orquestaciones más complejas y letras más densas y ambiciosas. Definitivamente, es la joya de 2017 y, claro, la espera valió la pena. Valeria Cuéllar Figueroa

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